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Esta exposición explora cómo el deseo de Antonin Artaud de transcender los límites del lenguaje -tanto hablado como escrito- perduró en el trabajo de una serie de creadores vinculados a los movimientos vanguardistas de mediados del siglo XX.
Los comisarios Kaira Cabañas y Frédéric Acquaviva realizan un recorrido por esta muestra que incluye alrededor de trescientas obras de artistas procedentes de tres espacios geográficos principales -Francia, Estados Unidos y Brasil.

Virginia Torrente, comisaria de la exposición Patricia Gadea. Atomic-Circus, nos habla sobre la obra de una artista esencial para entender la situación cultural de nuestro país durante los años ochenta y noventa. El núcleo central de esta exposición gira alrededor de la etapa más productiva de Patricia Gadea, a su vuelta de Nueva York, donde formó el colectivo Estrujenbank junto al también pintor Juan Ugalde y al poeta Dionisio Cañas. En esta etapa destaca la Serie Circo (1991-1996), que resume el acontecer de esa década en España en forma de mensajes clarividentes, de gran contundencia. Impregnadas de ironía, como el resto de la obra de la artista, a fecha de hoy siguen siendo de una aplastante lucidez y contemporaneidad.

Virginia Torrente, curator of the exhibition Patricia Gadea. Atomic- Circus, talks about the work of a key artist to understand the cultural situation of our country during the eighties and nineties. The core of this exhibition revolves around the most productive period of Patricia Gadea's work, on his return from New York, where he formed the group Estrujenbank with the painter Juan Ugalde and the poet Dionisio Cañas. At this stage emphasizes the Circus Series (1991-1996), which summarizes the events of that decade in Spain as a clairvoyant messages of great forcefulness. Imbued with irony, like the rest of her work, to date they still have an overwhelming clarity and modernity.

El comisario de la exposición dedicada a Cilco Meireles, João Fernandes, explica junto con el propio artista la relación de su obra con la experiencia sensorial del espectador, del uso crítico de sistemas de circulación ideológicos y económicos, así como de la conexión ética con el mundo. La exposición está integrada por obras e instalaciones presentadas por primera vez, así como por otras menos conocidas del artista.

Archipiélago es un ciclo de conciertos que asume que la escucha es una forma de conocimiento y de disfrute estético. En esta primera edición, Archipiélago se sumerge en la música drone (zumbido) y el minimalismo, para explorar sus influencias e inesperadas ramificaciones.

El programa incluye a Yoshi Wada, artista vinculado a Fluxus, y su hijo Tashi Wada, que desarrolla su práctica en la música experimental, el arte y la interpretación interdisciplinar. Ambos realizan una pieza específica con la colaboración del percusionista Ingar Zach y la Banda de Gaitas Lume de Biqueira.

Para completar la sesión, Damián Schwartz, productor, DJ y artista madrileño, explora la música de club en su vertiente más arriesgada de artistas como Jamal Moss y sus ramas más experimentales con compositores como Terry Riley o Robert Ashley.

Archipelago is a new series of concerts that views listening at once as a form of knowledge and aesthetic enjoyment. In this, the first edition, Archipelago is enveloped in drone and minimalist music, exploring its influences and unexpected offshoots.

The programme welcomes the Japanese musician and artist Yoshi Wada, linked to Fluxus, and his son Tashi Wada, who works with experimental music, art and interdisciplinary performance. They perform in this session a specific piece with the collaboration of the percussionist Ingar Zach and the Banda de Gaitas Lume of Biqueira.

To complete the session, Damián Schwartz, producer, DJ and artist based in Madrid explores the edgier side of dance music, relating figures such as Jamal Moss and his more experimental strands to composers such as Terry Riley and Robert Ashley.

Reinventar el espacio surge de un interés por parte del Departamento de Educación del Museo de vincular artistas jóvenes y especialistas de la educación, con el objetivo de plantear el taller como un proyecto conjunto dirigido al público infantil.
La propuesta ha tenido como eje la obra de tres artistas mujeres: Lygia Pape, Yayoi Kusama y Elena Asins vinculadas a través del análisis de sus instalaciones e intervenciones espaciales.

± I96I presenta por primera vez un análisis detallado de un año decisivo de la década de los sesenta que condujo a la invención de la "expansión de las artes". En la exposición se examinan los orígenes del cambio, la actividad experimental y las primeras actividades colectivas que señalaron el comienzo de una expansión sin precedentes de la noción de "composición" y generaron un proyecto multidisciplinar que se desarrolló en tiempo real en el transcurso de ese mismo año.

Uno de los objetivos del Museo Reina Sofía es la búsqueda de nuevas estrategias de relación con los públicos: estrategias que les ayuden a aprehender y disfrutar los contenidos expositivos y a entender la propia institución como un espacio compartido de reflexión. Esto implica cambiar la narración lineal, unívoca y excluyente, por otra plural en la que la aportación del visitante es decisiva y en la que la experiencia artística va más allá de la mera contemplación.

Con el propósito de recoger esa multiplicidad de visiones y generar este espacio común, el Museo ha puesto en marcha el proyecto de mediación cultural. En este video, el equipo de mediadores culturales explican cuáles son las estrategias, las motivaciones, los objetivos y los anhelos de este innovador proyecto que comenzó su andadura hace apenas dos años.

"Gordon Matta-Clark" es una exposición retrospectiva del autor, arquitecto de formación y clave en el pensamiento de artista como modificador e interventor del espaico. Así, el autor se involucra físicamente en sus proyectos transformando los objetos con un propósito de crítica política antisistema que da origen a una obra expansiva a nivel formal y de contexto. La irrupción se impone como creación de algo nuevo y donde la luz y las incisiones se proclaman protagonistas.

Ojos ávidos es una antología de cine experimental norteamericano comisariada por el investigador Bruce Posner, responsable del histórico ciclo Unseen Cinema, que se presentó en el Museo Reina Sofía en 2006. Ojos ávidos comprende una selección de 37 películas recientemente restauradas que introducen las múltiples trayectorias dibujadas por el cine de vanguardia en Estados Unidos desde la década de 1920 hasta la de 1970.

Jueves y viernes del 12 noviembre -18 diciembre, 2015 (excepto 9 diciembre) - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

En la obra de la videoartista Hito Steyerl (Múnich, 1966), la construcción del texto y la edición de la imagen amplían la condición del ensayo fílmico, reflexionando e interviniendo en los sistemas de circulación de la información y en los de presentación y representación de la obra de arte. Sus textos, conferencias, películas e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica y política a un activismo crítico inserto en el universo de la producción y circulación de la imagen y de la palabra. Desde esta perspectiva, la artista desarrolla un trabajo crítico sobre los modos de percibir, el control, la vigilancia, así como la militarización, la migración, el feminismo o la imagen política, cuestiones a las que considera capaces de crear realidades diversas.

In the work of visual artist Hito Steyerl (Munich, 1966) constructed texts and edited images enlarge the conditions of film essays, reflecting on and intervening in the systems that circulate information, and in those that present and represent the artwork. Her texts, lectures, films and audiovisual installations merge the philosophical and political reflection of critical activism inserted in the world of production and the circulation of the image and the word. Through this perspective the artist develops a critical body of work on modes of perception, control, surveillance, in addition to militarisation, migration, feminism and the political image – questions she feels have the capacity to create realities.

Este vídeo muestra la exposición dedicada al artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) quien, desde finales de la década de 1970 hasta su prematura muerte en 1992 debido a complicaciones relacionadas con el sida, realizó una obra conceptualmente rigurosa y estilísticamente diversa. Su trayectoria combina una amplia variedad de formas, medios y dispositivos, entre los que se encuentran el uso de la fotografía como herramienta narrativa; el recurso del collage como soporte para la crítica y el posicionamiento político, apoyándose en la pobreza del propio medio; la adopción de la pintura para explorar diferentes procedimientos alegóricos, o el empleo del fotomontaje y el texto con el objeto de abordar las políticas queer y de identidad que marcaron también su papel como activista.

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From the late 1970s until his untimely death in 1992 through AIDS-related complications, David Wojnarowicz (New Jersey, USA, 1954 — New York, USA, 1992) produced a body of work that was as conceptually rigorous as it was stylistically diverse. His artistic career fused a broad array of forms, mediums and devices, for instance the use of photography as a narrative tool; collage as a resource for critique and political statements, stressed through the poverty of the medium; painting adopted to explore different allegorical processes; and photomontage and text employed as an approach to the queer and identity politics that also shaped his role as an activist.

Conversación con la artista Soledad Sevilla sobre su exposición en el Palacio de Cristal en el Parque del Retiro, donde ha realizado una instalación específica para este espacio. El lenguaje, la geometría, la luz o la experiencia del espectador, son algunos de los elementos que componen esta exposición.
Una estructura de gran tamaño de aluminio y paneles de policarbonato, recrean un cielo nocturno lleno de signos lingüísticos.

El Museum of Modern Art de Nueva York y el Museo Reina Sofía han organizado una de las retrospectivas más completas dedicadas al artista belga Marcel Broodthaers (1924-1976). Su extraordinaria producción artística durante las décadas de los años sesenta y setenta del siglo XX, lo situó como uno de los artistas más importantes del panorama internacional, ejerciendo desde ese momento hasta la actualidad una gran influencia en muchos artistas contemporáneos.

The Museum of Modern Art, New York, and the Museo Reina Sofía have organised one of the most comprehensive retrospectives devoted to Belgian artist Marcel Broodthaers (1924–1976). His remarkable output in the 1960s and 1970s established him as one of the most important artists on the international scene, and one of the most influential for numerous contemporary artists from that time to the present day.

"Dalí. Cultura de masas" plantea la relación del artista con el entorno cultural donde desarrolló su obra. En la exposición se produce una relación a tres niveles: el mundo industrial que influye en el lenguaje pictórico de Dalí, algunos temas del mundo industrial asumidos iconográficamente por el artista y su colaboración en la producción cinematográfica, del diseño, de la moda o de la publicidad. La muestra da especial importancia a todas estas diversas áreas que plantearon nuevas formas de producción para el artista y, a su vez, las importantes transformaciones que se observan en su pintura.

"Luis Gordillo. Iceberg Tropical" es una exposición retrospectiva de la obra del artista. En la muestra se observan las variadas etapas por las que atravesó, desde sus trabajos con el collage y la fotografía (influenciado por el arte pop) o las impresiones en cuatricromía (trabajadas en el laboratorio de color). Hasta los años 80, donde comienza a trabajar de forma abstracta llegando a una faceta más personal del autor, pero siempre con la idea de rozamiento entre lo automático y lo mecánico presente en su trabajo.

Lynne Cooke y Christian Rattemeyer, comisarios de la exposición, presentan en este vídeo la mayor retrospectiva hasta el momento del artista italiano Alighiero Boetti. Vinculado inicialmente al arte povera, Boetti pronto desarrollará una obra conceptual, basada en ideas cercanas a la dualidad, lo sensible o el tiempo, y analizadas bajo la subjetividad del artista.

Los comisarios de la exposición Bruce Conner. Es todo cierto hablan de uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

The curator of the exhibition Bruce Conner. It's All True talk about one of the most pre-eminent American artists from the second half of the twentieth century. Conner’s work emerged from the California art scene and addressed wide-ranging questions concerning American society in the post-war era: from the burgeoning consumer culture to the dread of nuclear apocalypse. In his work he cultivated alternate mediums - now the hallmarks of 21st-century art - adopting different techniques and often creating hybrid pieces midway between painting and sculpture, film and performance, drawing and printing.

Andrzej Wróblewski (1927-1957) es, a pesar de su corta vida, uno de los artistas polacos más importantes del siglo XX. Esta muestra, la primera retrospectiva fuera de su país, permite contemplar su obra más allá de los tópicos reduccionistas del realismo socialista o del arte periférico, a través de los cuales se ha estudiado hasta época reciente el arte de los países en la órbita soviética. Wróblewski fue un artista capaz de trabajar en los límites entre la abstracción y la figuración, de combinar la invención formal con el análisis de la vida cotidiana y de sus límites –la degradación de la guerra y de la política dictatorial– a partir de un profundo compromiso humano y político.

Andrzej Wróblewski (1927–1957) is, despite his short life, one of the most important Polish artists of the 20 th century. This exhibition, the first retrospective held outside his country, enables his work to be contemplated in a way that goes beyond the reductionist clichés of socialist realism or Outsider Art, through which art from countries in the Soviet sphere of influence has been studied until recently. Wróblewski was an artist that could work on the borders between abstraction and figuration, combining formal invention with the analysis of daily life and its limits – the degradation of war and dictatorial politics – by means of a profound human and political commitment.

El Museo Reina Sofía quiere encarnar el concepto de museo expandido, en el que la experiencia del arte contemporáneo sea a la vez fuente de disfrute y de conocimiento. Su Colección, de más de 20.000 obras, huye de una lectura única y cerrada de la historia del arte, para apostar por las múltiples historias. Un Museo que es catalizador de ideas, discursos y poéticas en sus exposiciones temporales y en su intensa programación audiovisual y de artes en vivo, así como un foro continuo para el pensamiento, el debate y la educación destinado a todas las edades mediante cursos, conferencias y talleres donde los públicos adquieren un rol protagonista.

The Museo Reina Sofía wishes to embody the concept of an expanded museum, where the experience of contemporary art is both a source of enjoyment and knowledge. Its Collection, made up of over 20,000 works, avoids representing one sole and closed interpretation of art history, opting instead for multiple histories. A museum that is a catalyst for ideas, discourses and poetics in its temporary exhibitions and intensive programme of audiovisuals and live arts, as well as a continual forum for thought, debate and education designed for all ages through courses, conferences and workshops in which visitors take centre stage.

A partir de varias obras presentes en la Colección del Museo Reina Sofía, Dora García (Valladolid, España, 1965) propone, en esta entrevista, un viaje desde los inicios de su trabajo. Cuestiones como narratividad, escritura infinita, performance o psicoanálisis conforman un universo coherente y continuo. La artista analiza su uso del libro como objeto y como contenedor de historias. A través de referencias literarias y psicoanalíticas, desde James Joyce, Freud o Lacan, Dora García transforma la lectura y la producción de texto en acciones colectivas. A su vez, aborda aspectos clave en los debates sobre la performance: su documentación y transmisión o el cuestionamiento de la idea clásica de imposibilidad asociada a su repetición, lo cual se aprecia en la aproximación de la artista a las obras y escritos de Allan Kaprow u Óscar Masotta. El artista maldito, la noción de antihéroe o lo inadecuado marcan una forma de aproximarse a la realidad desde la ficción.

Lotty Rosenfeld, a visual artist and founder of the group C.A.D.A. (Art Actions Collective), along with artist Juan Castillo, sociologist Fernando Balcells, poet Raúl Zurita and novelist Diamela Eltit, discusses the group’s origins and its development during the years of Pinochet’s military dictatorship. Its works were based on the reformulation of the mechanisms of artistic production and framed inside counter-institutional practice, while the use of direct action in public space as a tool for redefining the conditions of its creative participation defined the group and the individual work of some of its members. Emblematic works such as Para no morir de hambre en el arte (Not to Die of Hunger in Art, 1979) and No + (No More, 1983–1989) went beyond the artistic sphere, coming to form part of the collective imaginary in Latin America. Rosenfeld also analyses the notion of archive and her solo work, both individually and as part of feminist groups in Chile.

En este vídeo, Manuel Borja-Villel, director del Museo, explica esta exposición que se acerca al arte producido en los años ochenta y noventa en España y en el contexto internacional. Mínima resistencia se centra en la búsqueda por parte de los artistas de espacios de resistencia en un mundo globalizado y se adentra en la serie de dualidades que polarizan el periodo abordado: de la crisis económica global al capitalismo financiero, de la potencia de lo colectivo a la recuperación del mito del artista, de las intervenciones que reivindican el espacio público a los discursos que giran en torno a la memoria y el cuerpo, de la teatralidad que enfatiza lo escenográfico y la arquitectura al lenguaje de lo performativo y los modelos relacionales o de la rehabilitación de los géneros tradicionales a la apropiación de imágenes de los medios de comunicación y la cultura de masas.

El año de construcción del Palacio de Cristal, 1887, es también el año de multitud de acontecimientos como la contrucción de la torre Eiffel, el año de nacimiento de Le Corbusier, la invención del gramófono... un siglo en el que las condiciones de producción cambian, comienza la producción industrial, y los objetos, al empezar a perder un poco de su especificidad al producirse en serie, hacen que surjan algunas ideas como el monólogo interior, el verso libre o formas de teatro más abiertas.

El norteamericano Horace Clifford Westermann (Los Ángeles, 1922-Danbury, 1981) armó una escultura propia y característica, generalmente realizada en madera con artes de ebanista virtuoso, aunque también trabajó con extraordinaria precisión otros materiales y técnicas, como el metal, el vidrio o el esmaltado. En esta exposición retrospectiva presentada por el Museo Reina Sofía, se observa cómo surge pronto una preocupación por volver al refugio, ya sea de la casa o del propio cuerpo –al que sin embargo contaminan amenazas de confinamiento y muerte–, así como una persistencia del personaje obstinado o desamparado.

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H. C. WESTERMAN. GOIN’ HOME
American artist Horace Clifford Westermann (Los Angeles, 1922 – Danbury, 1981) assembled a distinctive and singular body of sculptures. His works were predominantly made from wood through his masterly command of carpentry and cabinetmaking, yet he also used other techniques and materials such as metal, glass and enamelling with incredible precision. In this retrospective presented by the Museo Reina Sofía, a concern with going back to shelter would soon emerge, be it in the home or the body —and blighted by the threat of confinement and death. Also, stubborn or helpless figures would recur through Westermann’s oeuvre.

En este vídeo el comisario de la exposición Joao Fernandes y el artista Roman Ondák explican la intervención realizada por éste específicamente para el Palacio de Cristal (Parque del Retiro) donde se trata el cuestionamiento de la obra de arte en relación con las convenciones generadas por el lugar y el espacio en el cual se presentan.

Para ello, el artista añade al edificio existente un nuevo elemento arquitectónico que se materializa en una pasarela elevada que ahora lo circunda. Esta pasarela, accesible desde el interior del Palacio, abre a todos los visitantes la posibilidad de una nueva mirada sobre el espacio.

El Taller de Artista es una iniciativa del Departamento de Educación concebida como un proyecto colaborativo entre artistas y educadores teniendo como referencia las exposiciones temporales del Museo. La propuesta del verano 2014 se apoya en Playgrounds, exposición que gira en torno a los espacios de juego y su repercusión urbanística y social. El Museo cuenta con Leonor Serrano Rivas para diseñar una experiencia dirigida a niños de 8 a 11 años que les permita revisar los espacios de juego que habitualmente utilizan en parques y plazas, y crear otros nuevos desde un punto de vista divertido y crítico. Durante cinco días, la artista, los niños y los educadores, convivirán tres horas con el objetivo de desarrollar un proyecto específico que finalmente será visitado por los padres de los participantes.

Artist's Workshop is an initiative from the Education department conceived as a collaborative project between artists and educators with reference temporary exhibitions of the museum. The proposal for the summer of 2014 is based on Playgrounds, an exhibition focused on play and their urban and social impact. The Museum has Leonor Serrano Rivas to design an experience aimed at children aged 8 to 11 years to allow them to review the play spaces commonly used in parks and squares, and create new ones from a fun and critical point of view. During five days, the artist, children and educators, coexist three hours with the aim of developing a specific project that will eventually be visited by their parents.

Martín Ramírez. Marcos de reclusión, realizada en el Museo Reina Sofía del 31 de marzo al 12 de julio de 2010. A través de una selección de obras de este artista mexicano se examinan los límites del sistema del arte y la presencia del otro en el espacio de una institución artística. Martín Ramírez (1895-1963) produjo su trabajo en un confinamiento de más de tres décadas en un hospital psiquiátrico, fabricando él mismo los propios materiales pictóricos y explorando una iconografía singular que alude a la extrañeza entre dos mundos, el origen de un México rural e indígena y el destino de Estados Unidos en pleno desarrollo industrial. La pregunta que presenta la exposición es la carencia de un vocabulario no reduccionista para entender manifestaciones artísticas al margen de las categorías asumidas por la historia del arte.

La manera en que Danh Vō (Bà Ria, Vietnam, 1975) subvierte la clásica mirada apropiadora y oportunista del arte occidental hacia las expresiones de otras culturas ha sorprendido a la escena artística contemporánea. En sus instalaciones, esculturas, fotografías y obras en papel recurre a sus orígenes y vivencias, entremezclándolas con referencias culturales, sociales e históricas del mundo occidental. Danh Vō aprovecha la tipología expositiva industrial del XIX que caracteriza la singular arquitectura del Palacio de Cristal para encerrar en una gran vitrina la nostalgia del museo decimonónico de paleontología y arqueología.

Danh Vō’s (Bà Ria, Vietnam, 1975) art work subverts and plays with classic appropriation and opportunistic strategies of Western art in its approach to other cultures. His installations, sculptures, photographs and works on paper, particularly his early work, often calls on his origins and experiences, interspersing them with cultural, social, and historical references. Danh Vō utilises 19th-century industrial exhibition typology to portray the unique architecture in the Palacio de Cristal, encapsulating the nostalgia of a nineteenth-century palaeontology and archaeology museum inside a large display cabinet.